måndag, april 28, 2008

Argast av dem alla

Åh, Mingus, Mingus, Mingus, Mingus. På sätt och vis var det ganska lätt att skriva den här texten. Kunde man misslyckas med ett sådant stoff? Bitvis tyckte jag nog det och skrev om den ett par år efter den första versionen för sju år sedan. Charles Mingus själv är och förblir dock fantastisk. Jag inleder med min senaste favorit, en sedvanligt yvig och på många sätt kvintessentiell låt från den sena mästerverket Let My Children Hear Music.

Lyssna:
Charles Mingus "Hobo Ho" 1971 (ZShare)




Charles Mingus - jazzens argaste man


Charles Mingus ligger för döden. Året är 1978 och den store jazzbasisten – en av Amerikas främsta kompositörer genom tiderna – lider av Lou Gehrigs sjukdom, en neurologisk sjukdom som successivt förlamar kroppen och slutligen andningsmuskulaturen. Gamla vänner avlöser varandra i lägenheten på Manhattan Plaza där Mingus är sängliggande. En dag tittar den legendariske jazzkritikern Nat Hentoff förbi. De pratar gamla minnen, något som osökt leder in på den rasism som Mingus brottades med hela sitt liv.

Han föddes den 22 april 1922 och växte upp i den mångkulturella stadsdelen Watts i Los Angeles. Med svart farfar, vit farmor, kinesisk morfar och svart mormor var han själv en sorts rasbiologisk blandfigur. Han var ljus i hyn men såg sig ändå som svart, samtidigt som han inte drog sig för att kalla mörkare medmusiker för ”niggers”. Han var full av självmotsägelser, hårt präglad av att varken vara det ena eller det andra, varken svart eller vit. På gott och ont. Man kan säga att han gjorde konst av dessa motsägeler. Utsattheten, en beskärd del av orättvisa och rasförtryck, skapade nämligen den enorma ilska som blev hans kanske allra viktigaste drivkraft. Till Hentoff väser han fram ett sista manifest:

It’s not only a matter of color any more. It’s getting deeper than that. I mean it’s getting more and more difficult for a man and a woman to just love. People are getting so fragmented, and part of that is that fewer and fewer people are making real effort any more to find out exactly who they are and to build on that knowledge. Most people are forced to do things they don’t want to most of the time, and so they get to the point when they feel they no longer have any choice about anything important, including who they are. We create our own slavery.



Förmodligen var detta mycket laddade ord för Mingus. Kanske till och med ett slags personligt bokslut. De återges i Gene Santoros biografi ”Myself When I Am Real - the Life and Music of Charles Mingus” (Oxford 2000) och leder oss rakt på kärnan i Mingus konstnärskap: frigörelsen. Han ville slå sönder alla bojor – sociala, politiska, psykologiska och kulturella – och övervinna alla sina begränsningar. Han ville skapa ett fritt jag för ett fritt skapande. Men det är inte fråga om någon slapp, diffus eller trevande frihet. Snarare en tillkämpad, krävande och frustande frihet. Lyssna på nästan vilken som helst av Mingus inspelningar och du förstår varför – musiken lever sitt eget dramatiska liv, den är bångstyrig och sprakande, aldrig någonsin klen, alltid ett stenhårt spel mellan kaos och ordning. Det är musik som förverkligas i stunden. Själva definitionen av jazz.

”Myself When I Am Real” är även namnet på en alldeles underbar Minguslåt. En magisk titel som pekar ut ytterligare en sida av konstnärskapet: självförverkligandet. I Mingus värld fanns inga egentliga gränser mellan liv och konst. Han såg livet i sig som ett personligt, pågående konstverk. Och han tog till många medel – allra främst musikaliska, men även verbala och kroppsliga – för att uttrycka sig själv. Storheten låg i att han var en mästare på att smälta samman olika idéer och uttryck till en temperamentsfull helhet.

Låt vara att Mingus var en produkt av sin tid, hans drivkrafter är ändå ganska tidlösa. Redan i 17-årsåldern möter han den bohemiske konstnären Farwell Taylor vars hem ofta härbärgerade den amerikanska västkustens intellektuella elit. Taylor blir Mingus första mentor och stora förebild vid sidan av jazzgiganten Duke Ellington. Han öppnar Mingus intellektuella tänkande. Han exponerar honom för indiansk kultur, österländsk religion och europeisk filosofi, och han får honom att lusläsa taoistiska texter såväl som viktiga böcker av Freud, Dostojevskij, Sartre och Rilke. Mingus får lära sig att inte känna några gränser. Han påverkas lika mycket av klassiska kompositörer som Rachmaninov, Ravel och Debussy som av Ellington och Charlie Parker. Han inspireras lika mycket av Jackson Pollock och Orson Welles som av Art Tatum och baslegenden Jimmy Blanton. Viljan att uttrycka sig är ju universell – det är bara medlen som är olika – och livet ut älskade Mingus att hänga med författare, poeter, dramatiker, journalister, målare och filmare, lika mycket som med musiker. Han slukade det mesta: idéer, delikatesser, intryck, sprit, kvinnor, visioner och knark.



Mingus skolades alltså intensivt, grundligt och brett, med inställningen att man alltid lär sig reglerna innan man bryter mot dem. Vilket han mer än gärna gjorde. När så krävdes. Många Mingus-kompositioner rymmer faktiskt rena felaktigheter, musikteoretiskt sett, men de fungerar förstås alldeles utmärkt i slutändan. Helt enkelt eftersom formen följer berättelsen. Den som är djärv möter dock alltid mostånd och när Mingus spelar med Miles Davis i slutet av 40-talet klagar den tjurige trumpetaren över att det inte finns några ackord som övergång mellan olika tonarter. Det givna svaret: ”Miles, just play the shit like I wrote it.”

Sådana konflikter, mellan kompositör och instrumentalist, var mer eller mindre obligatoriska i Mingus värld. Men han lyckades alltid, precis som Ellington, med konststycket att locka fram och sedan inkorporera solisternas personligheter i sina egna kompositioner. Däri ligger storheten. Och precis som Ellington arbetade han hellre med distinkta fraser än med massiva ackordgrupper, och helst av allt med starka melodier som för låtarna framåt. Det är också blåsinstrumentens melodiska och dramaturgiska grupperingar man förlorar sig i när man lyssnar på Mingus. Det är polyfont och konverserande, fyllt av liv, ofta simultant improviserat, och med massiv karaktär – men alltid inom givna ramar. Mingus visste ju att den bästa dramatiken uppstår i friktionen mellan kaos och ordning.

”You can’t improvise on nothing, man”, fick medmusikerna höra gång på gång. Friheten var villkorlig. Mingus krävde alltid (sin egen) struktur när det handlade om improvisation. Han både formulerar och utvecklar sitt musikaliska koncept när han 1955 döper sitt band till The Jazz Workshop och iscensätter en metodik som kommer att förlösa kreativiteten totalt. Spelningarna var hädanefter att betrakta som processer, som kreativa övningar för ett kollektiv under ledning av kompositören, pedagogen och regissören Mingus. Tanken var att ta vara på situationens dramatik. Här framfördes inte några stycken, här skapades musik på plats. Och på scen var Mingus en på samma gång inspirerande och tyrannisk ledare. Han skrek och dirigerade, spottade och fräste, en gigantisk kroppshydda med en buske yviga gester bakom kontrabasen. Lyssna på de klassiska studioinspelningarna av låtar som ”Wednesday Night Prayer Meeting” och ”Better Git It in Your Soul”. Lyssna på Mingus röst i bakgrunden och du förstår hur det kan ha sett ut. Om inte annat känner du extasen och glädjen.



Oftast blev det bra. Mingus eggade sina medmusiker till att uträtta stordåd. Men när det inte funkade, då blev han ursinnig och drog sig inte för att förnedra någon stackars bandmedlem inför publiken. Så viktigt var resultatet. Var han inte nöjd fick man ta om, även om gruppen faktiskt stod på scen inför publik. Inte så konstigt att många inte stod ut under någon längre tid, vilket är lite ironiskt eftersom han i sin tur var helt beroende av olika musikaliska sparringpartners. Trumslagaren Dannie Richmond är undantaget som bekräftar den stormiga regeln. Han spelade med Mingus från 1957 och framåt, bara med några få avbrott, och deras samspel växte sig alltmer organiskt och intuitivt.

Under de gyllene åren med The Jazz Workshop, från mitten av 50-talet till början av 60-talet, fanns också ett antal ytterst betydelsefulla medarbetare vid Mingus sida, däribland saxofonisterna Booker Ervin och Eric Dolphy, trombonisten Jimmy Knepper (som Mingus demonstrativt slog på käften) och pianisterna Mal Waldron och Jaki Byard. Utan dessa hade Mingus knappast lyckats skapat den musik han gjorde, men han fick också betala för alla kreativa sammandrabbningar. Som i den fruktbara relationen med Byard, präglad av ömsesidig hatkärlek och ett tärande engagemang som ofrånkomligen ledde till ett häftigt uppbrott.

Hårdast var han mot pianister, eftersom han var en alldeles utmärkt pianist själv. Sy Johnson, som spelade med The Jazz Workshop 1960, var en av de som drabbades. Under ett gig började Mingus skrika efter fler ”pedal tones”. Johnson försöker förgäves blidka den krävande bandledaren. Till slut exploderar Mingus och springer fram till Johnson, stirrar honom i ögonen och slår fyra hårda slag på pianot. När den stackars Johnson gör ett nytt försök skiner Mingus upp och vänder sig till publiken med ett leende: ”Now the white boy can play!”



Nöden har dock ingen lag och under perioden 1961-62 spelade Mingus mestadels själv i bandet i brist på pianister som höll måttet. När han några år senare prövar den unga kvinnliga pianisten Jane Getz (16 år) slutar även det i en mindre katastrof. Han tyckte att hon använde pedalerna för mycket. Kväll efter kväll skriker han otåligt ”think Duke Ellington, Ellington, baby!” och skuffar sedan undan henne från pianot när det är dags för ”Meditations” – ett av nyckelverken i Mingus produktion. En ödesdiger afton kokar bägaren slutligen över, tålamodet är slut och Mingus lämnar scenen, springer ut i omklädningsrummet och återvänder med en sönderriven handduk som han knyter upp pianopedalerna med. ”Fuck you, man!”, svarar Getz och lämnar både pianot och scenen.

Höga krav ställdes också på publiken som obönhörligt involverades i The Jazz Workshops framträdanden. En kväll på The Five Spot i New York 1957 skäller Mingus ut sin publik efter att ha blivit störd i den kreativa processen. ”You think you’re important and digging jazz when all the time all you’re doing is digging a blind, deaf scene that has nothing to do with any kind of music at all”, mässar han uppfordrande. Han krävde respekt och engagemang. Musiken var livsviktig. Vid en spelning några år senare sägs han ha blivit så uppjagad på scen att blåsaren Yusef Lateef – om möjligt ännu större till växten än Mingus – fick lyfta upp den sprattlande och fräsande basisten tills han lugnat ner sig. Det hände också att han i vredesmod slog sönder sin kontrabas. Vid ett sådant tillfälle satt ett engelskt band vid namn The Animals i publiken och betraktade storögt Mingus utbrott. Några år senare började även engelska popband slå sönder sina instrument.

Mingus gjorde alltså hela sitt liv till ett konstverk. Mer eller mindre medvetet. Den som läser Santoros biografi får också lära känna en förbluffande självupptagen människa, en individ som ständigt tog sin omvärld i besittning genom ett prunkande ego. Av många upplevdes han som fascinerande och förtjusande, full av entusiasm och idéer, och han blev en naturlig mittpunkt i alla sällskap. Han älskade att säga sin sak och blev ofta en sorts mentor, och upphörde aldrig att inspirera sina lärljungar. Men av andra upplevdes han som manipulativ, rovgirig och intolerant. Vredesutbrotten var ju aldrig långt borta och inte för inte kallades han för ”Jazz’s angry man”.



Baksidan av Mingus karaktär stavades självömkan. Han såg alltid sig själv som mest utsatt och fabulerade ofta fram de mest dramatiska hotbilder. Var han inte slagen på grund av rasism så hade han maffian, CIA eller New York-polisen efter sig. Han litade inte heller på banken utan specialsydde mot slutet av sitt liv kläder med olika lönnfack för såväl pengar som knivar och pistoler. Han var helt enkelt världens mittpunkt, åtminstone i sin egen berättelse.

Rötterna till denna väldiga självupptagenhet finns antagligen i uppväxten i Watts, Los Angeles. Med en auktoritär och distanserad far sökte han naturlig tillgivenhet hos sina systrar och sin styvmor. Där kände han förtroende och ärlighet, och under åren kom han alltid att ty sig till kvinnor. Han hann med att vara gift fyra gånger – tre av gångerna med vita kvinnor – och antalet älskarinnor och kvinnliga vänner var förstås stort. Män hade han svårt att lita på. Han kände konkurrens och självhävdelsebehov. Ändå var i stort sett alla musikaliska vänner män och redan under uppväxten i Watts slog han sig ihop med blåsarna Eric Dolphy, Britt Woodman och Buddy Collette. Den sistnämnde föreslog att Mingus skulle byta cellon, som han hade studerat sedan sjuårsåldern, mot basen. Sagt och gjort. Snart var han en virtuos på sitt nya instrument.

På 40-talet drabbades Mingus av den revolutionerande bebopen och sökte upp Charlie Parker, Dizzy Gillespie och Miles Davis när de kom till Los Angeles för att spela. Lika betydelsefull var första upplevelsen av Duke Ellingtons band med kanonbasisten Jimmy Blanton. När han i början av 50-talet gjorde en kort sejour hos Duke lyckades han (självklart) få sparken på grund av sin kaxighet. Genombrottet kom i stället några år tidigare, som basist i vibrafonisten Red Norvos trio. En turné tog honom till New York och där stannade han.



På plats i det stora äpplet startade han skivbolaget Debut Records tillsammans med batteristen Max Roach och andra frun Cecilia, för att på så vis själv kunna kontrollera sin produktion. En skrävlande entreprenörsanda präglade honom livet ut. Och trots en ekonomisk berg-och-dalbana levde bolaget fram till slutet av 50-talet, kanske främst tack vare storsäljaren ”Jazz at Massey Hall” (1954) med The Quintet, ett All Star-band med Mingus, Dizzy, Bird, pianisten Bud Powell och Max Roach. Mingus allra första egna inspelningar dateras dock till slutet av 40-talet – då ofta under det ödmjuka namnet ”Baron” Mingus – men det verkliga genombrottet som bandledare kom först 1956 då han spelade in den banbrytande ”Pithecanthropus Erectus” för Atlantic.

Sedan följde milstolpar som ”The Clown” (Atlantic 1957), ”East Coasting” (Bethlehem 1957) med Bill Evans på piano och den lika episka som intensiva ”Tijuana Moods” (1957) som RCA inte släppte förrän 1962 på grund av ett bråk med Mingus. Givetvis, vad skulle det annars ha varit? Under dessa år blev Mingus umgänge med Beat-poeter som Allen Ginsberg och Gregory Corso också allt flitigare, och från deras uppläsningar kan man ana influenserna till skivan ”A Modern Jazz Symposium of Music and Poetry” (Bethlehem 1958). Han var ju en mästare på att smälta samman olika idéer och uttryck till en temperamentsfull helhet.

Men mot slutet av 50-talet var Mingus knappast ensam om att revolutionera jazzen. Saxofonisten Ornette Coleman rev murarna med sin fria jazz och kompositören George Russells modala experiment banade väg för Miles Davis ”Kind of Blue” (Columbia 1959). Men Mingus var givetvis kluven till andras framsteg. ”I’ve already done that”, var hans ständiga kommentar samtidigt som han antagligen kokade inombords av att ha blivit förbisedd. Mot slutet av sitt liv sägs han ha kunnat nämna en inspelning från sin egen produktion, komplett med årtal och medmusiker, så fort han hörde något nytt och banbrytande på radio.



Han var en ständig föregångare, men inte särskilt ödmjuk. Ändå fick han sitt stora erkännande i jazzvärlden redan i början av 60-talet, inte minst efter den vilda friheten på plattorna ”Mingus Ah Um” (Columbia 1959) och ”Blues and Roots” (Atlantic 1959). Resultatet blev svår prestationsångest. Kraven blev omåttligt höga, och i samband med en konsert på Town Hall i New York 1961 bröt Mingus ihop eftersom orkestern inte ”höll måttet”. Han var en förfärlig perfektionist. Men med sina två klassiska inspelningar för Impulse! – ”Mingus, Mingus, Mingus, Mingus, Mingus” och ”The Black Saint and the Sinner Lady”, båda 1963 – nådde han antagligen så långt som det går. Musiken är ett emotionellt tvärsnitt, totalt öppen men ändå så exakt. Smått legendarisk är också 1964 års europaturné med Byard och Dolphy i bandet, och spelningen på jazzfestivalen i Monterey samma år. Sedan började det sakta gå utför.

Efter 1965 och fram till början av 70-talet var Mingus föga aktiv och levde ett mer eller mindre kaotiskt liv. Hans umgänge med LSD-professorn Timothy Leary blev mer frekvent och han deltog i den tidens olika politiska aktioner. När han kom tillbaka på den musikaliska banan släppte han ”Let My Children Hear Music” (Columbia 1971). Samma år publiceras också Mingus osannolika självbiografi vars titel ”Beneath the Underdog” ringar in hans självuppfattning. Redan i början av 50-talet började han skriva på denna märkliga bok och under årens lopp växte arbetet till gigantiska proportioner. Läs den – Mingus fabulerar om allt mellan himmel och jord och spär ivrigt på myten om sig själv. Texten är pompös, personlig och stundtals rapsodisk. Han avhandlar sex, rasism, sex, musikindustrin, sex och mycket annat, däribland lite mer sex. Han hade ju åsikter om det mesta. Alltid tvärsäker.

Publiceringen blir också ytterligare ett erkännande för Mingus som under 70-talet växer till en kompositör av stora mått. Perioden är dessutom rejält hedonistisk. Han har mer pengar än någonsin och han äter, äter och äter, som den gourmand han var. Problem med vikten hade han i och för sig hela sitt liv, men nu är han alltså fetare än någonsin och åker in på hälsohem av och till. Till slut är Mingus så tjock att han inte kan lyfta det ena benet över det andra.



När sjukdomen till sist når honom tvingas han sluta spela, men in i det sista arbetar han vidare med sin musik. Han leder inspelningssessioner från sin rullstol och sjunger in melodier i sin bandspelare. Med ”Cumbia & Jazz Fusion” (Atlantic 1976) förenar han jazzen med den colombianska folkmusiken, ett projekt som liknar arbetet med det mexikanska musikarvet på ”Tijuana Moods” 20 år tidigare. Han var som sagt en mästare på att smälta samman olika idéer och uttryck till en temperamentsfull helhet ‒ alltid med sikte på att vara ”beyond category”, Duke Ellingtons klassiska beskrivning. Mingus sista projekt blev ett samarbete med Joni Mitchell som resulterade i den underskattade plattan ”Mingus” för Atlantic 1979.

När skivan släpptes var Mingus redan död. Han dog 57 år gammal, den 5 januari 1979 i Mexiko. Askan spreds av änkan Susan över floden Ganges i Indien. Nästan 40 år tidigare hade Farwell Taylor introducerat Mingus för hinduismen, ett tänkande som ju syftar till definitiv andlig frigörelse. Nu slöts slutligen cirkeln.


Fyra fantastiska från Mingus:


Pithecanthropus Erectus (Atlantic 1956)

En underskattad skiva på sin tid. Ändå blev den ett genombrott för både Mingus och den moderna jazzen. I vissa passager läggs grunden för den fria jazz som fyra år senare började höras över världen. Men alla experimentella inslag förenas helt naturligt med den jordiga blues som finns i bandets sound. Vem kan till exempel motstå det rumlande pianoriffet i ”Love Chant”? Bakom pianot satt Mal Waldron och den unge Jackie McLean spelade sax tillsammans med J.R. Monterose.

Mingus Ah Um (Columbia 1959)

En mycket älskad skiva. Här finns klassiker efter klassiker uppradade. Till exempel ”Goodbye Pork Pie Hat”, den makalösa hyllningen till Lester Young, och ”Self-Portrait in Three Colors”, ledmotivet till John Cassavetes film ”Shadows”. Hela bandet verkar vara mer eller mindre elastiskt, så grymt svänger det faktiskt. När man lyssnar förstår man också vad Mingus menade när han talade om ”rotary perception” – det vill säga att spela cirkulärt runt pulsslagen i stället för linjärt rakt på dem.

The Black Saint and the Sinner Lady (Impulse! 1963)

Ett stort, stort äventyr. Men inte särskilt lättsmält. Att Mingus lät sin psykoanalytiker Dr. Pollock skriva texten på skivomslaget säger en del om musikens personliga och komplexa karaktär. Titeln sägs anspela på kompositörens farföräldrar och i en magnifik svit mejslar Mingus fram sina stycken, baserade på olika formationer av dansare. Initialt tänkte han sig nämligen en koreografi till musiken. Mingus gav sig också på att dubba vissa partier, särskilt Charlie Marianos altsax. I bandet märks för övrigt svenske trumpetaren Rolf Ericson.

Town Hall Concert (Jazz Workshop 1964)

En otrolig liveinspelning med ett av Mingus bästa band. Blåset består av Eric Dolphy och Clifford Jordan på saxar och Johnny Coles på trumpet. Jaki Byard spelar piano och Dannie Richmond som vanligt trummor. Bara två låtar ryms på skivan. Mer behövs heller inte. ”So Long Eric” och ”Praying With Eric” är antagligen titlar som sattes i efterhand, för den senare låten är ingen annan än Mingus omtumlande ”Meditations for a Pair of Wire Cutters”. Att en sextett kunde skapa så här storslagen musik är fascinerande. Ja, till och med rörande.

söndag, april 27, 2008

Marvinism


Det finns nästan inga överraskningar längre. Det här inlägget var tänkt att handla om en fin liten japansk utgåva av What's Going On som visade sig rymma två obskyra b-sidor som i sin tur visade sig vara rörande förstudier till God Is Love och Flying High (In The Friendly Sky). Men någon upptäckt var det ju knappast konstaterar jag nu snopet, eftersom God Is Love (B-side) och Sad Tomorrows sedan länge finns på alla nyutgåvor av detta soulhistoriens mest bekymrade mästerverk. Desto bättre. ;-)

Lyssna:
Marvin Gaye "God is Love " (B-side)

Apropå soul. Låt mig även tipsa om Stanley Cowells utmärkta Musa: Ancestral Streams som finns att hämta hem härEl Reza. Det är troligtvis en av de bästa och mest funkiga solopianoplattorna någonsin, släppt på Strata East 1974, genomsyrad av både panafrikansk romantik, värdiga Art Tatum-influenser och, hur sökt den än låter, Marvin Gayes melodiska samhällskritik från åren innan. Låt oss kalla det Marvinism. Och när jag ändå håller på – missa inte heller Strata East Fan Clubs nya blogg.

Här är vad jag lyssnar på annars:

Soldier 5.04 Erykah Badu "New Amerykah Part One (4th World War)"
Off and on 3.30 Róisín Murphy "Overpowered"
(What Can I Say) To Make You Love Me 5.27 Alexander O'Neal "Hearsay"
Hearsay 4.18 Alexander O'Neal "Hearsay"
Bass-Ment Theme 3.05 Up Hygh "Raw Fusion Bass_Ment Classics"
Freedom Day 6.09 Max Roach "We Insist!: Freedom Now Suite"
Tomski (Fredbeat) 7.49 Moss Eisley "Twelve"
Nostrand and Fulton 7.10 Freddie Hubbard "Here To Stay"
Ne Me Demande Pas Pourquoi 3.47 Nicole Croisille "Saravah for Café Après-Midi"
Un Homme Et Une Femme 2.28 Monique & Louis Aldebert "Saravah for Café Après-Midi"
Warm Song 3.43 Cal Tjader "The Prophet"
Toi 3.45 Cathy Claret "Crepuscule For Cafe Apres-Midi"
We Have All The Time In The World 2.48 The Pale Fountains "Crepuscule For Cafe Apres-Midi"
Running Away 2.42 Paul Haig "Crepuscule For Cafe Apres-Midi"
Waiting For G 5.07 Hans Olding "No Space"
If You Knew 3.25 Nicolas Makelberge "Dying In Africa"
Perhaps I Never Meet You 5.07 Kazumasa Hashimoto "Euphoriam"
Västgöten 3.50 H3fk "Nubiska nätter"
Afro Blue 7.12 Jeffrey Smith "Down Here Below"
India In Me [Mix 2] 6.32 Cobblestone Jazz "Fabric 34"
Achilles (Phreek Plus One Typhoon Mix) 7.10 Antena "Versions Spéciales - Camino Del Sol"
Joshua C. 7.15 Woody Shaw "For Sure!"
Mundo Pequeno 3.12 Doris Monteiro "Doris"
Eu Quero,Eu Quero,Eu Quero 2.04 Doris Monteiro "Doris"
Danger Global Warming 4.38 DJ Dolores "I Real"
Big Business (Dance Mix) 6.23 David Byrne "The Dark Side Of Disco Vol. 3"
I Can't Get Started 7.37 Art Blakey & the Jazz Messengers "Child's Dance"
Poolside Bungalow 3.02 Pacific "Reveries"
Amorph 5.58 fennesz + sakamoto "Cendre"

tisdag, april 22, 2008

April in Paris


















torsdag, april 17, 2008

Komplettering

The Avalanches omarbetning av Belle & Sebastians I'm A Cuckoo – där de helt sonika sätter alltihopa i händerna på en grupp västafrikanska exilmusiker i Melbourne – är inte bara helt genialisk, den hade också varit omöjlig utan arvet från Saravah. Den till synes aparta föreningen av sköra popmelodier och afrikansk folkmusik hade inte låtit som den gör utan Pierre Barouh. (Jag har inget intresse av att nämna Vampire Weekend i sammanhanget.) Så, nu är det förra inlägget kompletterat och klart.

Lyssna:
Belle & Sebastian "I'm A Cuckoo" (Avalanches Version) (ZShare)

tisdag, april 15, 2008

Min vän Pierre

På fredag åker jag till Paris. Teambuilding heter det på pappret. Paris Jazz Corner, à la carte-menyer, Kitsuné, café au lait, Colette, Favela Chic och Palais du Tokyo betyder det i praktiken. Det vore förstås ingen stor sak om det inte var för att jag inte har varit i Paris på över tio år. Intressant nog sammanfaller detta också med att jag just upptäkt ett viktigt kapitel i den franska musikhistorien: Saravah.

Enligt myten startade Pierre Barouh denna etikett 1966, med en tidstypisk förälskelse i bossanovan och de pengar han tjänade på musiken till Claude Lelouchs film En man och en kvinna som han skrev tillsammans med Francis Lai. Som vi alla vet blev ledmotivet en exempellös hit och easyklassiker, men framför allt presenterade filmen Barouh – i rollen som Anouk Aimées ex-man – som en bohemisk blandning av Serge Gainsbourg och João Gilberto när han uppträder med sin gitarr och framför vad som skulle bli startskottet: den legendariska Samba Saravah, skriven av Baden Powell och med texten av Vinicius de Moraes.





På sätt och vis kan jag tycka att Samba Saravah förminskas en aning i kombination med Claude Lelouchs tillrättalagda bilder. Samtidigt kan ingen missa att det är den mest lekfullt nyförälskade programförklaring som någonsin gjorts, särskilt när Pierre Barouh namndroppar sina brasilianska hjältar en efter en över Baden Powells osvikliga bossagitarr. Fast nyförälskad? Barouh hade spelat in sin Saudade (Un manque habité) redan 1960, även denna gång med Baden Powell, vilket gör den till en av de första utombrasilianska bossorna.

Om nu Barouhs tolkningar av bossanovan, givetvis med en omisskännlig fransk chansonbrytning, blev startskotten för Saravah kom etiketten snart att ha en betydligt mer heterogen katalog än så. Den gode Pierre, med ett stadigt kassaflöde från sin filmsuccé, lär ha sagt till sina artister att de skulle ta god tid på sig, känna efter noga, gå på djupet och spela in någonting "som de inte ångrar om ett halvår". Ut kom därför allt ifrån märklig harpsichordjazz av Baroque Jazz Trio och spräcklig djungeljazz från Barney Wilen till klassisk chanson, bistroballader och experimentell konstpop à la Brigitte Fontaine i klassiskt samarbete med Art Ensemble of Chicago.

Men vad som framför allt slår mig när jag lyssnar igenom mina två japanska samlingsplattor är hur etiketten tycks ha spelat en nyckelroll i framväxten av den starka franska traditionen av världsmusik. Något som alltså började med den unge Barouhs romantiska och oskuldsfulla utblick mot Brasilien för att sedan fortsätta med allt djärvare och exprimentella hybrider av jazz, tropicalia och det nordafrikanska musikarv som kolonialismen hade bränt in i den franska själen. Ett konsekvent genreöverskridande som aldrig tappade känslan för starka melodier och givetvis löpte parallellt med den politiska och konstnärliga radikaliseringen mot slutet av 60-talet. Samt inte att förglömma med framväxten av den franska frijazzen genom bolag som BYG Actuel.




Jag kan faktiskt inte hålla mig för skratt när jag tänker på mina kollegors nervösa leenden och flackande blickar när jag sa att jag bokat in dem på en grundkurs i fransk frijazz hos Paris Jazz Corner. Nej, jag ska förstås inte tvinga dem. Men Pierre Barouh kommer i alla fall att guida mig genom ett Paris som jag vet håller på att rasa samman och befinner sig långt från 60-talets romantiska vyer, tillsammans med valda delar Sebastien Tellier.

Till exempel La Ritournelle. (Och Divine.) Vilket för oss över till Tony Allen. Saravah nådde visserligen aldrig ned till Nigeria, men att Fela Kutis afrofunk har ett särskilt starkt fäste i Frankrike behöver man bara åka till Skåne för att bli påmind om. Till Sofi Hellborg närmare bestämt. Hon är Skånes kvinnliga svar på Femi Kuti, renlärigt skolad i världmusikalisk anda efter många år i Paris där hon bland annat spelade med Mory Kanté. Förra året blev jag imponerad av hennes nasala sång och vidunderligt tajta afrofunk på plattan To Give Is To Get där både Tony Allen och Timbuktu medverkade. För några veckor sedan kom uppföljaren Drummig Is Calling i brevlådan och visade sig om möjligt vara ännu tajtare och konsekventare i sin omfamning av afrofunken. Jag kan i och för sig tycka att den konceptuellt sett är aningen svagare än den förra, lite tråkigare helt enkelt, men nickar ändå gillande till Sofis fortsatta expeditioner till Afrika .

Här är vad jag lyssnar på annars:

A Tonga Da Mironga Do Kabulete 3.23 José Barrense-Dias "Saravah for Café Après-Midi"
Joppo & Eno (Pink Alert Re-Rub) 7.37 Antena "Versions Spéciales - Camino Del Sol"
Freedom Traveller 6.11 Charles Lloyd "Nirvana"
Number One 3.55 Pacific "Reveries"
Love Isn't Always On Time 3.41 Pacific "Reveries"
Johnny Too Bad (Sleepless Church Dub) 7.41 Allistair "Twelve"
Philly Mignon 5.30 Freddie Hubbard "Here To Stay"
Here's Where Mary Loved To Be 2.24 The Arcadians "Crepuscule For Cafe Apres-Midi"
Message De Noel 3.57 Mikado "Crepuscule For Cafe Apres-Midi"
Noelle A Hawaii 3.25 Antena "Crepuscule For Cafe Apres-Midi"
Lollita's Back In Town 2.35 The Arcadians "Crepuscule For Cafe Apres-Midi"
It Is Now Either 4.15 Artificial Latvasmäki "Fabric 34"
Isabel, the Liberator 8.29 Woody Shaw "For Sure!"
The Mind Inspector 3.54 DJ Dolores "I Real"
E Isso Ai 3.01 Doris Monteiro "Doris"
Mas Que Doidice 2.07 Doris Monteiro "Doris"
Driva'man 5.18 Max Roach "We Insist!: Freedom Now Suite"
Like You'll Never See Me Again Remix ft. Ludacris 3.58 Alicia Keys "Soul Lounge"
Time Is Love 3.50 Black Ivory "Don't Turn Around"
Don'T Turn Around 3.25 Black Ivory "Don't Turn Around"
You know me better (Samim remix) 6.05 Róisín Murphy "You Know Me Better"
Espresso Loco 2.54 Francy Boland "Out Of The Background"
No Space 6.42 Hans Olding "No Space"
So Young 5.35 Nicolas Makelberge "Dying In Africa"
Seedy Films 5.04 Soft Cell "The Dark Side Of Disco Vol. 3"
C.C. 12.16 Art Blakey & the Jazz Messengers "Child's Dance"
Waiting For A Train (Instrumental Dub) 6.11 Moonbase "The Dark Side Of Disco Vol. 3"
Camino Del Sol (Todd Terje Remix) 6.44 Antena "Versions Spéciales - Camino Del Sol"
Yubimine 6.05 H3fk "Nubiska nätter"
Endless 3.20 Kazumasa Hashimoto "Euphoriam"
cendre 3.10 fennesz + sakamoto "Cendre"

torsdag, april 10, 2008

Paus

Vill bara kort nämna att jag finns kvar. Det är bara så att jag jobbar ohyggligt mycket just nu, vilket gör att det blir glest mellan inläggen. Häng kvar, spännande saker kommer framöver – till exempel en recension av The Splendor från Hoob. Jag borde vara tillbaka efter helgen. Och mitt i stressen drömmer jag om att ta en paus och sitta på en trappa i New York tillsammans med en jazzdvärg. Precis som Ben Sidran – grymt cool i sin klassiska collegelärarstil à la 1979 – på omslaget till The Cat and The Hat. För övrigt en mycket bra platta.

söndag, april 06, 2008

Isabelle

Den här helgen har jag inte varit i närheten av Swedish Jazz Celebration. Det närmaste jag kom var Torbjörn Zetterbergs releasefest för sitt singer/songwriter-projekt Folke på Riche i onsdags. Jag har hållt mig på avstånd av två anledningar. Jag har haft några privata saker som tyngt mig och jag har helst suttit hemma och lyssnat på Isabelle Antena.

Hon är min största upptäckt på länge. Isabelle. Låt mig börja på Crepuscule for Café Apres-midi. Två supersnygga och fullastade japanska samlingsplattor från den cappuccino-till-lunch-designade serien Café Apres-midi över den belgiska 80-talsetiketten Les Disques Crepuscule. Här samlades de mjukaste, jazzigaste och mest romantiska delarna av den popmusik som brukar tvingas in under begreppet post-punk. Just nu är jag ytterst fascinerad av denna etikett och denna epok i musikhistorien. Här blandades tidig brittisk tweepop från Pale Fountains, Orange Juice och Aztec Camera med Thomas Dolbys teknologiballader och populärklassiska sonetter från Michael Nyman och Gavin Bryars. Alltihopa med en sorts drömsk optimism, en intellektuell glädje och någon sorts nordeuropeiskt överdriven längtan till Medelhavets helande stränder.



Denna längtan förkroppsligades av Antena – eller, ja, de blev ett slags ofrivilligt objekt för denna längtan när de själva egentligen blickade någon annanstans. Isabelle Antena var uppvuxen i Paris men hade lärt sig flytande engelska som au pair hos Yes-keyboardisten Rick Wakeman i London och fått ett starkt musikaliskt självförtroende på köpet. Hemma igenom träffade hon Pascale Moiroud och Sylvain Fasy som delade samma musikaliska preferenser som hon själv. De startade ett band som fick heta Antena – med ena foten i Antonio Carlos Jobims tidlösa melodier och paret Gilbertos för evigt honungslena vemod, och den andra i samtidens experimentella electropop från Soft Cell, Yazoo, Ultravox och givetvis Kraftwerk. Precis den hybriden, på pappret onannolik och vansklig, blev verklighet i en elektrifierad och smått psykedelisk version av The Boy From Ipanema. "Electro-samba" skrev tidningarna.

Det blev en EP med namnet Camino del Sol som kom i början av 1982 och i några storartade ögonblick svepte in bossanovans vemod i svala syntfiltar, kopplade Stan Getz till en analog dator och ställde sig längst ut på Normandies vindpinade atlantkust och blickade ut mot vågorna. Dagen innan hade de fnittrat sig igenom en dagisversion av Michel Legrands titelspår till Jacques Demys Flickorna i Rochefort. Två år senare släppte Antena – utan Pascale – sin andra platta En Cavale som de hade spelat med gräddan av studioeliten i London, gravt influerade av Nile Rogers och Chics blankpolerade funksoul. Men hur mycket soul och funk de än försökte uppbringa stod de ändå alltid kvar i sina egna erfarenheter, precis som The Style Council och The Blow Monkeys. Precis därför blev det också så bra.



När Camino Del Sol kom på CD för snart tre år sedan var det en viktig nyutgivning. Eller snarare nylansering, eftersom Antena i många avseenden var 25 år före sin tid. Camino Del Sol är alltså inte bara underbar, den är också anmärkningsvärt samtida, varför det måste ha fallit sig naturligt att låta några av dagens electroakter, däribland Todd Terje, Nouvelle Vague och Chromatics, remixa hela Camino Del Sol under namnet Versions Spéciales i slutet av förra året. Särskilt som varken Nouvelle Vague eller Chromatics skulle ha låtit som de gör utan Antena.

Två år tidigare, i en annan del av remixsfären, hade en annan skola av producenter med Nicola Conte och Thievery Corporation i spetsen remixat Isabelle Antenas nya bossaplatta Easy Does It under namnet Issy Does It. Härifrån slogs en bro tillbaka Le poisson des mers du sud från Isabelle Antenas första soloskiva Hoping For Love som släpptes av Crepuscule 1987. En skiva som definierade en märkligt älskvärd och marginell tradition av nybossa och electropopjazz som tidigt blev stor i Japan och sedan spred sig till resten av världen. Utan João Gilberto hade ju inte Isabelle Antena låtit som hon gör och utan Isabelle hade inte Bebel Gilberto låtit som hon gör.

Jag lyssnare vidare. Aningen nyförälskad.

tisdag, april 01, 2008

Dubletter

För en månad sedan publicerade Orgy In Rhythm skivan Child's Play från en av Art Blakeys kanske minst belysta och hyllade perioder: det tidiga 70-tal då hardbopens förste trummis mest försökte lista ut hur han skulle hitta rätt i jazzfusiondjungeln. Som guide anlitade han den unge Stanley Clarke som tog med sig en låt med den sorgligt uppriktiga titeln Song For A Lonely Woman till inspelningen av Child´s Dance i slutet av maj 1972. Fyra månader senare spelade han in samma låt med Chick Corea & Return To Forever under namnet 500 Miles High och fick en av jazzfusionvärldens största hittar.



Jag ska inte säga att det låter helt annorlunda, men om möjligt ännu bättre. Där Return To Forever gjorde ettrigt virtuos brassefusion, polerad för 70-talets europeiska jazzpublik, grinar sig Art Blakey fram till en mer bekymrad och vemodigt rasslande afrofusion. Hans version rör sig inte många kilometrar utanför Brooklyn. Tur att både Woody Shaw och John Hicks finns med och leder den gamle patriarken ut på gatan.

Som om det inte vore nog är titelspåret på Child's Dance, med tillägget (Christian's Song), en smärre karbonkopia av Donald Byrds underbara Fancy Free från 1969 – faktiskt en av mina fem favoritjazzlåtar någonsin. Eller om det nu är Donald Byrds förvillade lika Kofi som spelades in ett halvår senare. Det spelar ingen roll. Ni förstår hur bra det är och att man på den tiden inte alltid brydde sig om var idéerna kom ifrån.